En 1994 Robert Zemeckis demostró que podían usar esos sistemas de animación de una forma tan sutil, que hasta la podían utilizar en dramas biográficos como Forrest Gump
La Animación CGI no sólo resultó un sistema más versatil de realizar efectos especiales, sinó que era tan barato que se hizo asequible para producciones de TV como Babilon 5
Si hablamos de añadir escenas en animación CGI por toda la película, las primeras fueron Tron (1982) y The Last Starfighter (1984)
Pero ambas películas fueron un desastre en taquilla, por lo que la animación CGI, por el momento quedó re-legada a crear proyecciones de ordenadores. No fue hasta 1991 en que aparecieron dos películas que re-volucionaron respectivamente el cine de acción y el cine de animación: Terminator 2, que incluyó efectos especiales y personajes en animación CGI,
y La Bella y la Bestia, que fue la primera película con escenas en Cel-Shading
Ambas películas tuvieron un éxito brutal: Terminator II ganó el Oscar a los mejores efectos especiales, mientras que La Bella y la Bestia fue la primera película de animación nominada al Oscar al mejor largometraje. Ésto animó a Disney-Pixar a continuar desarrollando sus sistemas de animación digital, mientras que la empresa de efectos especiales que realizó Terminator II: Industrial Light & Magic, continuó desarrollando sus efectos digitales para substituir a las técnicas artesanales anteriores: en 1993 mataron la GO Motion con Jurasic Park.
La secuela de Westworld: Futureworld (1976) ya incluyó hologramas diseñados con vectores.
Otras películas siguieron añadiendo objetos vectoriales como Star Wars (1977), The Black Hole (1979)
y Alien (1979)
En 1978 el New York Institute of Technology Computer Graphics Lab comenzó a trabajar en la que habría sido la primera película de animación CGI de la história, en el festival SIGGRAPH de 1982 se exhibió un trailer, pero la película nunca llegó a estrenarse. Ese mismo año se creó la secuencia The Genesis Wave, en animación CGI para la película Star Trek II: The Wrath of Khan.
En el 2007 Disney estrenó el corto de Goofy Cómo instalar su Home Cinema, realizado completamente en ordenador con una tabla gráfica Wacon Cintiq (quiero una!!!)
Goofy nos enseñó 2 cosas: Primero algunas nociones sobre bricolage, y después que para realizar animaciones ya no hace falta ni camaras rostrum, ni goauche, ni tinta, ni acetatos, ni escaner, ni papel, y ni siquiera un lápiz. Incluso se pueden redimensionar y modificar los dibujos ya realizados sin perder definición.
Otra ventaja de la animación Tradigital es la posibilidad de mezclarla con animación digital 3D, como hizo Don Bluth en Titan A.E. o la propia Disney con Tarzan
Con el Boom de clásicos Disney de los 90, todos los estudios de animación (salvo algunos japoneses) enterraron las cámaras rostrum y se convirtieron en laboratorios digitales. De hecho, el término TRADIGITAL fue acuñado por el productor de Dreamworks Jeffrey Katzenberg para referirse a películas de su estudio como Spirit
O Simbad: La Leyenda de los Siete Mares
Disney-Pixar han cambiado el mundo de la animación para siempre, la animación Tradigital no sólo es más rápida, barata y fácil, sino que permite colaborar entre estudios de distintos países con mucha más facilidad. La Cel Animation ya es cosa del pasado, incluso animadores caracterizados por su labor artesanal como Bill Plimpton han acabado realizando películas en animación Tradigital como Hair High. La última superproducción en Cel Animation fue en el 2008 Ponyo en el Acantilado, y la última série importante Ed Edd y Eddy, y precisamente esta série en el 2004 se pasó al bando digital.
Adiós Cel Animation, nos has dado 80 años de entretenimiento y diversión, millones de árboles dieron su vida para que llenases nuestra cultura popular de color y fantasía, puedes abandonar el trono con la cabeza bien alta ya que si el mundo de la animación ha sido lo que és hoy en dia, ha sido gracias a tí, y a los miles de artistas que se destrozaron las muñecas pintando sobre acetatos.
Descansa en paz Cel Animation, nunca te olvidaremos.
Hasta ahora, salvo en el especial sobre animación Flash, hemos visto todas las técnicas de animación tradicional que se usaron con finalidades comerciales, y lo digo precisamente así: USARON, en pasado, ya que a excepción de ciertas realizaciones artísticas y algunos animadores estrella como Nick Park o Hayao Miyazaki, se tratan de técnicas hoy obsoletas.
EL PROYECTO CAPS
La Cel Animation es una técnica cara, lenta y muuuuuuy elaborada, ya que a medida que se dibuja el material hay que entintarlo sobre acetato, colorearlo con goauche y fotografiarlo, y eso sin hablar de las filigranas que debían hacer para los efectos especiales. A finales de los 80, Pixar, que hasta la fecha se dedicaba a realizar efectos especiales y cortos experimentales, desarrolló para Disney el llamado Proyecto CAPS (Computer Animation Production Sistem), se trataba de algo tan revolucionario que debieron hacerlo en secreto. Consistía en escanear las animaciones en papel y realizar el trabajo de entintado, el coloreado y la composición por ordenador, de esta manera se ahorraban tiempo, dinero, personal y material, ni siquiera era necesario fotografiar composiciones con una cámara Rostrum! la animación pasa directamente del ordenador a un DVD! La primera animación fue un video de Mickey Mouse para la atracción de Disneyworld: Spaceship Earth, en 1989 lo usaron en algunas secuencias de La Sirenita, y en 1990 realizaron la primera película de animación asistida con ordenador: Los Rescatadores en Cangurolandia. El Proyecto CAPS supuso...
EL APOCALIPSIS DE LA ANIMACIÓN
Ey!!! pero no nos lo tomemos de forma dramática!Hablo de Apocalipsis en el sentido de "Revelación", Pixar mató la Cel Animation, sí, pero ofreció una técnica alternativa que permitió el Renacimiento de la Animación Americana, cierto que las primeras animaciones asistidas por ordenador (y muchas actuales de bajo presupuesto) tenian unos colores demasiado chillones y una estética demasiado "sintética" y que los sibaritas de la animación tradicional creen que la textura micro-granulada del coloreado artesanal le da un toque artístico, pero hay que reconocer que es una técnica que ha mejorado con el tiempo.
De cara a la animación cinematográfica era una técnica con muchas posibilidades, ya que simplifica mucho los aspectos más complicados de la animación Tradigital, tales como travelings, zooms, escorzos, secuencias ultra-dinámicas, objetos con demasiados detalles... por eso Disney lo ha adaptado como complemento de sus películas en animación Tradigital y también se ha usado a pleno rendimiento en producciones como Appleseed (2001), o Futurama.
El proyecto CAPS era sólo el primer disparo que acabó con la técnica reina de la Animación Artesanal, Pixar era un pistolero nuevo en el Saloon de la animación, con los revolveres cargados y las mangas llenas de ases. Una técnica informática que apareció para simular la animación tradicional fue:
CEL - SHADING
Se trata de una técnica originaria del mundo de los videojuegos, que consiste en crear los modelos en 3D y simplificar las texturas al máximo, para simular la estética de la Cel Animation, en videojuegos esto permite que el personaje tenga total libertad de movimientos e interactividad con el entorno, un ejemplo sería:The Legend of Zelda: The Wind Waker
Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor - Fleischer Studios, Paramount - Max Fleischer
Se trata de una pieza de museo, literalmente, la Biblioteca del Congreso de los USA lo declaró oficialmente de "Interés Cultural" los fondos están realizados con una técnica que es una anticipación de la animación tradicional con fondos 3D: hicieron unas maquetas que filmaron en imagen real, luego, con el sistema de rotoscopia que inventaron los mismos Hermanos Fleischer, añadieron los personajes de Cel Animation. Era el primer mediometraje de la série de 3 películas Popeye Color Specials: Tres historias de Popeye 3 veces más largas de lo habitual, en color, y que se exhibian como una película más en los cines. Según Ray Harryhaussen, ésta película fue su principal inspiración para su propia versión de los viajes de Simbad.
Francisco Macian está considerado un pionero de las nuevas tecnologías para la animación, desarrolló una técnica de animación digital en 1966! La llamada M-Tecnofantasy, consistía en un sistema de rotoscopiaxerográfica asistida por ordenador en que superponía el positivo y el negativo de una película y luego la manipulaba y coloreaba. La usó por primera vez en 1968 para algunas escenas del musical Dame un poco de amor de Los Bravos
En 1974 realizó con este sistema una película artística llamada Memoria. Sin embargo en 1976 Francisco Macián murió prematuramente dejando en el tintero bastantes obras irrealizadas. Con la muerte de Macián, el cierre de Bruch-Sanjuan y tras el brusco fin de Estudios Moro, acabó la Edad de Plata de la Animación Catalana.
Aunque la animación de siluetas originariamente está inspirada en el teatro de sombras europeo, también ofrece la posibilidad de imitar la estética del teatro de sombras típico del sur-este asiático, en animación CGI se ha imitado la estética en cortos como Our Man in Nirvana (2006) de Jan Koester
Michel Ocelot tambien se ha apuntado a la animación CGI, aunque almenos ha tenido la delicadeza de no hacerlo para simplificar su trabajo, y realiza animaciones de siluetas en CGI 3D como una escena de la película del 2006 Azur et Asmar, o el videoclip del 2007 Earth Intruders, de Björk
A pesar de ello, Michel Ocellot actualmente trabaja en la série Bergères et Dragons, donde intenta reproducir con animación CGI 3D y 2D su propia técnica tradicional.
El nominado a un oscar Anthony Lucas, optó por utilizar esta técnica mezclando fondos 3D con siluetas en 2D para el corto del 2005 The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello
El actual boom de la animación Flash, también ha propiciado la aparición de una imitación de la animación de siluetas en ésta técnica, con estilos dispares. En la série Flash Canadiense Mona the Vampire lo realizan como recurso narrativo, Jossie Malis lo usó en la série de cortos Bendito Machine
También se ha intentado imitar el resultado de la Animación de Siluetas con otras técnicas en escenas concretas de séries como la série de cut-out de South Parko los animesUtena y Sayonara Zetsubō-Sensei
Michel Ocelot actualmente es el maestro de la animación de silueta, en 1989 creó una técnica híbrida de animación de silueta, cel animation, imagen real y clay animation para la série de televisión Ciné si
También consiguió, por primera vez hacer que los personajes hablasen moviendo los labios (antes eran mudo, o hablaban a través de un narrador)
Ocelot también realizó en el 2000 un largometraje basado en Ciné Si: Princes et Princesses
La animación con siluetas tradicional no varió apenas de técnica, si bien se han probado muchas estéticas diferentes, como los cortos con distintos tipos de papel de Bruno J. Böttge en los años 70
Anteriormente habíamos hablado de la técnica del Cut Out, una técnica antigua, artística, experimental y barata con subtécnicas tales como el Chiyogami y el Lumage. Hoy trataremos de otra subtécnica de Cut Out, que en realidad es una sub-técnica anterior al Cut Out de Quirino Cristiani y la que ha resultado más prestigiosa:
LA ANIMACIÓN DE SILUETAS
Éste tipo de animación apareció inspirado por los teatros de sombras europeos y la tradición del dibujo de siluetas en varios lugares a la vez a principios del siglo XX, es un tipo de Cut Out en que las figuras son una simple silueta o una sombra negra. Los primeros cortos que se conocen son del británico Charles Armstrong: el corto de 1909 Sporting Mice y The Clown and His Donkey (1910). Se trataba de unas animaciones aún muy precarias, de siluetas blancas con fondo negro, no fue hasta 1919 en que la alemana Lotte Reiniger produjo El Ornamento del Corazón Enamorado, ya con el tipo de técnica elaborada que conocemos hoy dia en las Animaciones de Silueta. En los años 20, con el Boom de la Cel-Animation parecía que las técnicas de Cut-Out no podían dar más de sí, hasta que en 1926 Reininger produjo Las Aventuras del Príncipe Achmed, el primer largometraje de animación alemán, y el largometraje de animación más antiguo conocido, considerado hoy una obra de culto.
En realidad, la Animación de Silueta nunca volvió a tener un éxito comparable al de la Cel Animation o el Cut Out, pero Reininger consinguió salvar la técnica del olvido, e influenció a muchos autores. En Japón causó tal sensación que los autores locales como Toshio Suzuki, Hidehiko Okuda, Tomu Uchida y Hakuzan Kimura adaptaron la técnica a su tradición del Chiyogami. Y en la NFB Canadiense, algunos autores como George Dunning la adaptaron a sus creaciones artísticas.
Actualmente, al ser una técnica relativamente sencilla, aún hay gente que trabaja en Animación de Siluetas tradicional, como Edward S. de Leon, que realiza homenajes a Lotte Reininger
La animación de siluetas es una técnica de cut-out prestigiosa y antigua, pero con menos tradición de lo que nos pensaríamos. Habiendo llegado a su perfección ya en los años 20, está abierta a todo tipo de estéticas y experimentaciones. No ha podido competir con otras técnicas más comerciales y ha acabado viéndose dedicada casi completamente a las creaciones artísticas, ya que es una técnica sencilla y barata que goza de un gran impacto visual.
